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El
rap nació a finales de los setenta en los clubes y discotecas
neoyorkinas de clientela mayoritariamente negra. Sus antecedentes apuntan a
la música de baile afroamericana y sus iniciadores, como Afrika Bambaataa.
Fueron Dj's que acostumbraban a emitir frases de una forma rítmica mientras
cambiaban de disco en la cabina, al estilo de los parlantes
jamaicanos.
Poco a poco, el nuevo género comenzó a tomar
identidad. Ya en los ochenta se introducen técnicas como el 'scratch'
(alteración manual del giro de un vinilo sobre la pletina, para obtener un
efecto similar al 'rayado de un disco') y el dub,
que distorsiona y enriquece sonidos utilizando la electrónica. Las largas
parrafadas de los vocalistas o Mc's se
alzan sobre distintas músicas y bases de ritmos creadas por secuenciadores.
Las rimas o letras incluyen contenidos sociales que aluden a la vida en el
gueto, a la competitividad o a cuestiones políticas.
El término hip hop
llega también en los ochenta para definir no sólo el rap como género
musical, sino como una cultura urbana que abarca otras expresiones
artísticas. La Cultura Hip-Hop se compone de cuatro modos básicos de
expresión. DJing,
MCing, B-Boying y
Grafitti.
Hay que ver que destacar que la conciencia de esta
cultura no está en el ambiente de la musical comercial, sino en toda una
sociedad que no necesariamente tiene que vender discos para ser los más
destacados. Existen raperos que han ganado miles de dolares en copias
vendidas sin que una sola canción de su disco sea escuchada en la radio. De
la misma manera hay cantantes que son conocidos en muchos lugares siendo
cantantes de carácter underground "no comercial".
La historia del hip hop
En el verano de 1975 el
sur del Bronx ardía. Las autoridades de Nueva York se declararon incapaces
de combatir todos los incendios, y menos aún de investigar sus orígenes.
Reinaba el caos. No eran incendios de ira purificadora como los que hicieron
arder Watts en 1965, Newark en 1967 o Saint Louis y media docena de ciudades
más tras el asesinato de Martin Luther King en 1968. Eran incendios por
abandono. Después de la Segunda Guerra Mundial, el Bronx había sido el
distrito de la esperanza para las familias afroamericanas, portorriqueñas,
irlandesas, italianas y judías. Pero en los años sesenta, al trasladarse la
industria hacia los suburbios del norte, el valor de la propiedad se vino
abajo y los blancos se marcharon, dejando una población en su mayoría pobre
y de color. Los propietarios de los tugurios contrataron a malhechores para
que incendiaran las construcciones desvalorizadas a fin de expulsar a sus
modestos inquilinos y cobrar millones de dólares de seguros. Cabe afirmar
que el hip-hop nació de las llamas.
Como explica en su canción The Message el
grupo de rap Grandmaster Flash
& The Furious Five , los guetos de Nueva
York que alimentaron el hip-hop eran espacios dejados al abandono
donde se esfumaban todos los sueños de liberación, pero fueron también
espacios de renovación espiritual y creativa.
En los años veinte y treinta, cuando surgieron
leyendas del jazz como Charles Mingus, un joven podía contar con compañeros
y mentores, orquestas y salas para aprender a tocar un instrumento y
descubrir su vocación. Pero a fines de los setenta, ese tipo de formación
musical era un lujo para la mayoría de las familias. El desempleo era lo
normal. Tocar un instrumento pasó a ser para las nuevas generaciones una
forma alternativa de trabajo. Adaptando la tradición jamaicana de danza
callejera al asfalto de Nueva York, jóvenes de color y portorriqueños
conectaron ilegalmente sus sistemas de estéreo al alumbrado público, y
empezó la fiesta.
Con discos de vinilo como partitura, y dos
platinas, un mezclador y un amplificador como instrumentos, el
Black Art resurgió en 1974-1975. En esos
años, un disc-jockey (DJ) jamaicano, Kool Herc,
empezó a hacerse famoso en el Bronx llenando el aire saturado de humo con
breaks (rupturas de ritmo) —esa parte de un trozo musical, a menudo de
apenas dos segundos, en la que el cantante se interrumpe para dejar al grupo
sumergirse en el ritmo. Jugando continuamente con los breaks, disc-jockeys
como Herc o Afrika Bambaataa creaban una nueva estética, que a la vez
satisfacía y fastidiaba a la audiencia.
Una metáfora de la libertad
Por un lado, un bucle de beats (golpes de
ritmo) pasó a ser una metáfora de la libertad. Un nuevo tipo de canciones
–tomadas de la música disco, el funk, el jazz, el afrobeat y el reggae–
lanzó nuevas formas atléticas de danza, que fueron conocidas como breakdance
o b-boy. Los espectadores dejaron de ser pasivos para entablar un auténtico
diálogo con el DJ.
Los DJ de Nueva York empezaron a utilizar MC
(maestros de ceremonias) para calentar los ánimos. Interpretando poemas o
improvisándolos, el mc se convirtió en el representante del público
en el escenario. Este reaccionaba ante la locuacidad del mc, celebraba su
ingenio, aplaudía sus fanfarronadas, vibraba con sus historias
inverosímiles, compadecía su dolor nostálgico.
Los poetas del Black Art,
los mesías de las Panteras Negras y
otros agitadores revolucionarios habían convertido sus palabras en armas.
Esa nueva generación de raperos dio rienda suelta a las palabras en espera
de que sirvieran de escudo de protección o de escapatoria al caos de la
calle.
La cultura popular estadounidense ha sido siempre
un espacio donde el estandarte de la creatividad está firmemente implantado.
El público pobre y de color tiene fácil acceso a bienes como la música, el
vídeo y la ropa.
En los últimos tres decenios, una multitud de
intermediarios han hecho fortuna siguiendo las modas de los guetos negros y
mestizos. A fines de los setenta, los propietarios negros y judíos de firmas
discográficas en Harlem advirtieron la popularidad del hip-hop y se
abalanzaron sobre las figuras más destacadas. En su mayoría, esos hombres de
negocios se encontraban, personal y geográficamente, cerca de esa música.
Cuando un disco del Sugar Hill Gang,
Rapper’s Delight, tuvo una extraordinaria acogida internacional, los
sellos importantes empezaron a husmear en busca del próximo éxito. En 1980,
Kurtis Blow grabó el primer álbum de rap con un sello destacado. La
cultura hip-hop estaba lista para convertirse en la expresión juvenil
internacional más poderosa del siglo xx.
Hasta finales de los años ochenta, el centro
indiscutido de esta cultura era Nueva York. Sus signos visuales los
proporcionó el movimiento del graffiti, cuyos jóvenes artistas
desafiaron los alambres electrificados y la vigilancia policial para pintar
con sus jeroglíficos de colores brillantes el subterráneo de la ciudad. Cada
vez que un tren entraba en una estación, la sociedad respetable tenía
enfrente la imagen del hip-hop como un dedo acusador.
En esa época, la administración
Reagan había arremetido contra el "Estado
del bienestar", eliminando subsidios en favor de los pobres,
permitiendo que los organismos de la vivienda se transformaran en antros de
corrupción y poniendo término a una serie de programas gubernamentales. Los
hip-hoppers lanzaron la contraofensiva enviando señales como The Message:
"No me empujen porque estoy
cerca del abismo. Estoy tratando de no perder la cabeza. A veces es como una
jungla, y me pregunto cómo hago para no hundirme." (Grandmaster flash &
The Furious Five).
En el plano tecnológico, los hip-hoppers
aprovecharon todas las novedades. Mientras a la mayoría de los músicos de
rock de mediados de los ochenta las tecnologías de sampling los
dejaban perplejos, los productores de rap convertían sus nuevos juguetes en
discos cada vez más densos y profundos. Al intensificarse en Estados Unidos
el movimiento contra el apartheid, grupos como
Boogie Down Productions y Public
Enemy enriquecieron el realismo social del rap con debates sobre
la acción política.
Pero desde 1989 las nobles ideas del nacionalismo
revolucionario y del espiritualismo del rock duro regresaron a las calles.
Un grupo de jóvenes, los Niggaz With Attitudes
o NWA (Negros con arrogancia), lanzó lo que se convertiría en el himno de una
generación, Gangsta Gangsta. Seis
semanas después de su aparición se habían vendido más de medio millón de
ejemplares.
El rap gangsta. El rap radical
El álbum Straight out of Compton de
Niggerz With Attitude trasladó
el centro del hip-hop de Nueva York a Los Angeles. A mediados de la
administración Reagan, Compton era uno de los numerosos barrios
desfavorecidos de la ciudad. El caos estaba instalándose para largo y el
rap gangsta sería su expresión musical.
Al conjugar el mito con la realidad, los textos podían aplicarse a cualquier
barriada. De Portland a París, cada barrio podía ser Compton; cada cual
tenía una historia que contar, un policía con quien luchar, una rebelión por
iniciar.
Esas historias gangsta, pobladas de negros
borrachos, pendencieros, irresponsables, criminales y sanguinarios, parecían
ser justamente lo que gustaba en los suburbios populares. Cuanto más oscura
de piel era la población estudiantil, menos se interesaba por los productos
culturales de los blancos. En 1988 el programa de televisión "Yo MTV Raps"
permitió que el mundo entero tuviera acceso instantáneo a los estilos
urbanos afroamericano, chicano y latino. Al invocar la autenticidad
callejera, la rebelión adolescente y su credo individualista, el rap gangsta
respondió a las aspiraciones de una población juvenil que había crecido con
el racismo y el reaganismo. Lejos de los viejos negro spirituals de la lucha
por los derechos civiles, esos ritmos eran crudos, violentos,
indisciplinados, ofensivos, "negrificados", a menudo antihomosexuales y
misóginos. Reflejaba las
pandillas de los guetos con altos grados de celebración de la violencia,
misoginia, fetichismo por las armas de fuego, desplazándoce por la ciudad en
carísimos descapotables blancos En su larguísima e intimidante perorata,
"Fuck tha police" sin sutilezas cantan lo siguiente: "Pegándole
al policía hasta deformarlo, cuando termine traigan la cinta amarilla para
marcar la escena de la carnicería (...) Porque soy de Compton, la estúpida
policía me teme; un joven negro en pie de guerra, cuando termine esto será
un baño de sangre de polis muertos (...) ¿Sin el arma y la placa qué queda?
Un idiota listo para que yo u otro negro le dispare".
Sobre una vertiginosa base de samples y scratchings, los tres componentes de
NWA se turnan para amenazar e insultar de tantas maneras diferentes que casi
resulta gracioso; pero lo que es más interesante, lejos de reclamar por sus
derechos humanos, en todo momento se reivindican como delincuentes de temer.
El rap gangsta creó nuevos frentes en la guerra de culturas.
Cuando la música conquistó comunidades blancas más prósperas, el rap gangsta
suscitó la ira de personalidades conservadoras como Bob Dole y
neoliberales como C. Delores Tucker, que organizaron nuevas formas de
represión. El rap gangsta apareció incluso en los debates presidenciales.
Algunos observadores se extrañan de que sellos
reaccionarios hayan difundido este tipo de música. Pero el éxito de la
cultura pop escapó a toda forma de control. Ya bien avanzados los años
noventa, las principales productoras de discos no tenían idea de cómo iba a
evolucionar el mercado del hip-hop. A la inversa del mercado de la música
rock, estabilizado desde hacía tiempo, el hip-hop era como un niño
turbulento y desconcertante.
Sonido hip hop comercial
A raíz de los motines callejeros de Los Angeles
en 1991 después del brutal apaleo por la policía del automovilista Rodney
King, el rap gangsta y el
hip-hop se encaminaron rápidamente hacia la
gloria comercial. The Chronic, de Dr. Dre,
apartó al rap gangsta del mundo del gueto para celebrar un hedonismo de la
droga e introducirlo, con su sonido de cromo pulido, en la programación
radiofónica. Muchos de los temas de Eminem,
el raper blanco más popular de los últimos años, están producidos por Dr.
Dre. Sus polémicas declaraciones sobre el trato que se debería de dar a los
homosexuales - aunque llegó a compartir escenario con el mismísimo Elton
John, homosexual declarado y admirador del rapero americano -, los insultos
a su propia madre y sus opiniones sobre la violación y el maltrato a las
mujeres le ha llevado a ocupar páginas e imágenes en todos los medios de
comunicación.
Artistas como el difunto Tupac Shakur
(murió en un tiroteo, ya que las venganzas entre
raperos son muy frecuentes),
hijo de una Pantera Negra revolucionaria, que aparecían en MTV y en la
prensa hip-hop en expansión, contribuyeron a hacer de la rebelión algo más
que una batalla de la guerra cultural: una característica del estilo
juvenil.
La concentración de la industria musical
transformó también el panorama del hip-hop. Entre comienzos y mediados de
los años noventa, varios sellos independientes que habían contribuido a
lanzar esta música vendieron sus compañías a empresas más grandes, que a su
vez empezaron a fusionarse y a reducir su producción. Como consecuencia, los
grupos de base ya no ascendieron de la calle hasta las listas de éxitos. Los
agentes artísticos garantizaban estrellas presentables y preparaban a los
sucesores. El nuevo sonido hip-hop. digitalizado y listo para la radio, pasó
a ser una música pop comercial.
El hip hop, movimiento de protesta
Con el apoyo masivo de los gigantes de la
distribución, las estrellas del hip-hop se habituaron a vender medio millón
de ejemplares o más desde su primer álbum. Media docena de revistas
aparecieron para aprovechar el maná de la publicidad. El dinero de Hollywood
también acudió convirtiendo en estrellas multimedia a los raperos
LL Cool J y Ice
Cube. Proliferaron los contratos publicitarios entre firmas como
Sprite o Gap y artistas de segundo orden. El productor Russell
Simmons declaró que la generación del hip-hop "es la principal creadora de
marcas que el mundo ha conocido jamás". Sus aficionados se han convertido en
una población de consumidores.
Como ha escrito el autor estadounidense Don
DeLillo, "el capital elimina los matices en una cultura". El hip-hop
transformó la cultura popular en el mundo. En Kenya, los jóvenes llevan
gorras de béisbol Adidas y zapatillas Nike y organizan tumultuosos
conciertos de rap que recuerdan las grandes fiestas de Bambaataa en el Bronx
de años atrás. No está claro si esas fiestas reflejan una rebelión juvenil
híbrida o una rendición ante el capitalismo mundial.
Sin embargo, esta cultura es la clave para
entender a toda una generación. Forjada en el fuego, tiene siempre una
cerilla a mano. El rap recompensa a los que representan las realidades de su
público. Aunque parezca exacerbar los más bajos impulsos, sus defensores
pueden replicar que sabe hablar a la juventud tal como es y allí donde está.
Son muchos los que piensan que esta cultura es
liberadora. En ciudades del mundo entero, los jóvenes utilizan el hip-hop
como instrumento contra el racismo o la brutalidad policial. Para ellos,
cultura y política son inseparables. El hip-hop, nacido de los incendios
destructores de los años sesenta y setenta, ha encendido nuevas llamas de
esperanza en las generaciones actuales. Los incendios purificadores están
por venir. Jeff
Chang
http://www.360hiphop.com
Historia del dj'ing. Historia
del parlante
El emceen, que es de donde viene el
"término MC" o como lo llamamos hoy en día rap o raggamufin
viene de una tradición africana que se conserva en Jamaica y que fue llevada
al N.Y. a principios de los 70s por un DJ jamaiquino conocido como Kool
Herc. El emccen de esta época en la música jamaiquina se basaba
en decir frases para animar al público, esto haciendolo sobre los "dubs" o
parte instrumental de los discos. Kool Herc lo adapta a la música de moda en
Nueva York como James Brown y crea lo que hoy conocemos. Con los años este
arte se ha desarrollado a grandes niveles, tanto así como que se ha
fusionado la poesía urbana y negroide con el emceen y se ha
presentado hasta en algunas de las más reconocidas universidades.
El DJing de la cultura Hip-Hop nace con
DJ Kool Herc, de una manera muy cercana al emceen que había
creado. El estilo jamaiquino de emceen es con música jamaiquina y es
llamado Dee Jaying o Toasting, y en la música jamaiquina desde
los 70s existe el "dub", en base a esto el crea una manera de alargar los
"break parts" o partes instrumentales o de percusión de los discos. Lo hace
utilizando dos discos idénticos y un "audio mixer'. Esta es la primera forma
de DJing. Hoy en día el DJing que comienza en el Hip-Hop ha evolucionado
hacia lo que se conoce como turntablism. Un turntablist es una
persona que utiliza un "turntable" osea un plato no solo para mezclar música
sino para crearla. Dentro de este arte se desarrollan distintas técnicas
pero la más conocido es el "scratch", que es literalmente mover el
disco produciendo un sonido que el DJ maneja de la manera deseada.
Todo
comienza allá por la década del 50´en Jamaica. Se empieza a generar una
nueva forma de entretenimiento musical, son los "Sound Systems". Los Sound
System no eran otra cosa que un vehículo armado de parlantes y
equipos de audio, de donde se irradiaba música como Blues, Ska, Reggae y
Dub, con el objeto de que la gente se divirtiera sin pagar entrada y en
plena calle. Era el "Discjokey" el que se encargaba de seleccionar y poner
la música en estas "fiestas callejeras"."
Con toda esta "carga" cultural, desembarca junto
a su familia en New York, más precisamente en el conocido y legendario
barrio del Bronx, un joven Jamaiquino llamado
Clive Campbell, estamos hablando del
joven al que luego se le conocería como KOOL
DJ HERC. Hacia 1973 y a la corta edad de 15
años, el entonces joven KOOL DJ HERC tratando de generar en su ghetto
algunas de las costumbres de su tierra natal, comienza a realizar "fiestas
callejeras" al mejor estilo "Sounds Systems", que resultan ser un exito.
Todo esto sería sólo una simple anécdota, si no fuera por el hecho de que en
estas mismas fiestas a KOOL DJ HERC se le ocurrió inventar una de las
técnicas más usadas en Dj´ing hasta hoy en día como es el "BACKSPIN"
o "recuperaciones" y asi dar comienzo a toda una nueva forma de expresión
musical al mando de los platos. El backspin o recuperaciones es una técnica
que consiste en repetir una sección determinada de música a traves de dos
bandejas y un mezclador con dos discos iguales, así mientras está sonando la
sección de BREAKBEAT (parte instrumental de la canción) en uno de los
discos, el otro se retrocede y se "prepara" para repetir el mismo BREAKBEAT.
La intención de Kool Herc era lograr extender las secciones de
breakbeat y asi darle a los B-Boys (break-boys, llamados así porque se
dedicaban a bailar en los breakbeats) más tiempo para realizar sus pasos de
baile, ya que éstos aprovechaban esta sección de la música para tirarse al
suelo a demostrar sus pasos de baile. Por otro lado, también se propiciaba
que el "animador" de la fiesta (ahora MC) pudiera animar al publico sin
"pisar" las partes vocales de la música que estaba sonando.
A partir de ese momento es cuando nace la leyenda
del "Padre del Dj´ing" que no es ni más ni menos que DJ KOOL HERC. Luego
vinieron otros grandes dj's como Grandmaster
Flash y
Grand Wizard Theodore que le agregaron a
esta actividad nuevas e inovadoras formas de hacer música. Técnicas como el
SCRATCH
que fue inventada por Grand Wizard Theodore,
pasaron a formar parte de la cultura del Dj´ing. El tiempo fue
pasando las técnicas se fueron refinando y mejorando, el dj´ing y el dj
fueron tomando protagonismo dentro de la escena musical, aparecieron grupos
de RAP como RUN DMC,
que dependían de un dj, que iba generando desde los platos las bases
musicales para que los mc's canten sobre éstas. El dj tambien
participa activamente en grupos de música, como "percusionista" aportando
efectos, samples y principalmente scratch a los temas. En otros ámbitos la
imagen del dj tambien va teniendo protagonismo con la aparicion de nuevas
versiones de temas echas por dj's, REMIXES y discos de mezclas. Todo esto va
genereando un crecimiento y popularidad del dj, no sólo como la persona
encargada de "poner" música sino también por su papel como productor de
bandas, músico, remixer y turntablist.
Historia del baile
El b-boying o break
dance comienza en la mitad de los años 60s con el "good foot" una
forma de baile de la época nombrada de esa manera por una grabación de
James Brown del mismo nombre. Esta forma
de baile que le da origen al "breakin'" comienza cuando se empiezan pasos de
baile ejecutados en el suelo. Este estilo se va desarrollando en conjunto
con el emceen y el DJing en la costa este de los Estados Unidos, pero en
California en la misma época se va desarrollando otro estilo de baile que su
fusionará con el b-boying de la costa este a mitad de los 70s. Este estilo
de baile se conoció como "Electric Boogie". El "electric boogie"
tiene diferentes estilos pero el que lo origina es el baile del robot. El
baile del robot comienza a partir de la influencia de las series televisivas
como "Lost in Space". De ahí en adelante
entran fusiones del jazz, la mímica y así por el estilo. El b-boying en
géneral hoy en día es el estilo de baile dentro del Hip-Hop más conocido y
de más aceptación pero no es la única forma de baile Hip-Hop. Existen varias
de las cuales una de ellas es el House.
Era un baile
casi acrobático bastante conocido por la mayoría de los niños de los
alrededores de NYC. En 1969, cuando James Brown estaba en lo
más alto con su gran éxito "Get on the Good Foot", el "Hustle"
(La
Sunshine Band, George McCrae con su "Rock
your baby" y Van McCoy
con su "The
hustle" llenaron las
discotecas de jóvenes, que preferían este medio de reunión a los guateques
de antaño amenizados por música high school)
era el estilo de baile del momento. Cuando el "Good
Foot" se volvió el nuevo estilo del baile, la tradición de las competiciones
o batallas de baile se estableció. Los bailarines se reunían en lugares como
"Harlem World" en la Calle 116 en Harlem y "Battle-dancewise".
Las bandas de la calle que vagaban por el
sur del Bronx fueron las que empezaron el Breakdance. A menudo, los mejores
breakers de bandas contrarias utilizaban las competiciones de break en lugar
de las peleas tradicionales. De esa forma demostraban que su banda era mejor
que la otra. Muchas veces ellos hacían una especie de contrato por el que el
perdedor ya no podía pasar al barrio del ganador. Y muchas veces sólo
competían para ganar respeto simplemente. Desgraciadamente, esas batallas de
breakdance no siempre detuvieron las peleas. Pero actualmente estas batallas
han reemplazado en gran medida las peleas en el Bronx.
De esta manera se formaron equipos o grupos
(crews) de bailarines que lo practicaban. Y pronto aparecieron equipos
formales organizados, que no sólo practicaban juntos, sino que también
desarrollaron sus propias rutinas de baile. Y entonces llegó
Afrika Bambaataa. Bambaataa es el
legendario maestro DJ, máximo responsable del próspero crecimiento del
Breakdancing. Él es productor y miembro de Soul
Sonic Force, cuyo "Looking For The Perfect Beat" fue
elegido como el cuarto mejor single en la votación de las críticas de jazz y
pop en el año 1983. Afrika Bambaataa también es el líder de la
Nación Zulú en el Bronx. En 1969
creó uno de los primeros equipos de Breakdance, "The
Zulu Kings". Ganaron muchas batallas y muestras de talento en
varios clubes en Nueva York. Al mismo tiempo ellos ganaron muchos
partidarios para la Nación Zulu.
El viejo estilo siguió siendo popular hasta
aproximadamente 1977, cuando el "Freak" ocupó el poder, basado en el éxito
del tema "Freak Out" de Shieks.
Entonces, alrededor de 1979 y principios de 1980 un nuevo equipo de
Breakdance se formó: Rock Steady Crew.
El nuevo estilo de break era diferente del viejo.
Rock Steady aportaron muchos movimientos acrobáticos. Ahora no
sólo incluía "Floor Rock" sino "Headspins", "Backspins", "Handglides", y
"Windmills". En 1981, Charles Ahearn hizo su película sobre hip hop, "Wild
Style", una visión cruda del rap, el graffiti, el scratch, y el
Breakdance en el Bronx. En junio del 82, Pat Fuji convirtió Roxy
en un club de baile los jueves, viernes, y sábados por la noche. El Roxy se
volvió el centro del hip hop rápidamente, frecuentado por raperos, dj' s, y
breakdancers.
Historia del graffitti
El Graffitti, evidentemente todos lo conocemos.
El graffitti siempre ha existido pero el desarrollo artístico del grafiti se
debe a los jóvenes hip-hoppers de New York en especial en Boogie Down Bronx.
El "dañar" como dicen los graffitteros se basa principalmente en el pintar
con aerosol. En su mayoría lo que se pintan son los nombre de los artistas
pero también se hacen imágenes y todo aquello que el artista quiera. Además
de ser una forma de pintura difícil y de gran valor artístico es parte de
ese afán por tener prestigio en el getto. Todas las formas de Hip-Hop tenían
algo en común, te daban nombre y "status" en el barrio a sus protagonistas.
Artistas del Hip hop
A TRIBE CALLED QUEST ARRESTED DEVELOPMENT
BEASTIE BOYS BIG DADDY
BLACK SHEEP BLACKSTREET
BOOGIE DOWN PRODUCTIONS BUSTA RHYMES
CHUCK D COOLIO
CRAIG MAC CYPRESS HILL
DE LA SOUL DIGITAL UNDERGROUND
DJ JAZZY JEFF & FRESH PRINCE DJ KOOL
DR DRE DR. OCTAGON
DRU HILL DUST BROTHERS
EMINEM FOXY BROWN
FUNKMASTER FLEX GANG STAR
HEAVY D & THE BOYZ HOUSE OF PAIN
KURTIS BLOW LAURYN HILL
LIL' KIM M.C. HAMMER
MAGIC MIKE MARLEY MARL
MARY J BLIGE MASTER P
METHOD MAN MISSY ELLIOT
NOREAGA NWA
OUTKAST PUBLIC ENEMY
PUFF DADDY QUEEN LATIFAH
REDMAN ROB BASE
ROOTS RUN DMC
SALT 'N' PEPA THE AUTOMATOR
THE FAT BOYS THE FUGEES
THE NOTORIOUS B.I.G. TIMBALAND
TLC WILL SMITH
WU-TANG CLAN WYCLEF JEAN
YOUNG M.C.
HISTORIA DEL HIP HOP EN ESPAÑA
El punto de partida del fenómeno del hip hop en
nuestro país se puede establecer con el estreno de las películas "Beat
Street" (84) y "Breakdance" (84), esta última con su secuela "Electric
Boogaaloo" (85). La proyección de estos films, junto a la influencia de
los jóvenes negros americanos que residían en nuestro país, fue el inicio de
una moda en el baile y en la forma de vestir. Este estilo de baile llegó
mucho antes que otras manifestaciones del hip hop.
En la mitad de los
80 era habitual observar reuniones de breakers a ritmo de discos de funk y
disco. La estética se caracterizaba por zapatillas con lengüeta por fuera,
cordones anchos, chandals, cintas de pelo, guantes,... En ciudades como
Barcelona, la zona de Universidad era lugar de reunión habitual de breakers,
intercambio de revistas, cintas, videos... En los primeros días poca gente
aún hablaba de rap o hip hop. En esta época comenzó a sonar Run DMC,
Grandmaster Flash, L.L.Cool J, Kurtis Blow... En Madrid
la zona de reunión de breakers era Nuevos Ministerios, lugar de encuentro de
los chavales de distintos barrios para demostrar sus habilidades y sus
conocimientos.
En cuanto a la radio, algunos programas y
emisoras, jugaron un papel muy importante para la difución de los primeros
discos de L.L.Cool J, Run DMC, Whodini, Lisa Lee, Double Trouble... por
primera vez sonaban sonidos de hip hop en programas como los de Radio
Torrejón, donde, desde esta base americana se radiaba un programa importado
de EE.UU. Radio Vinilo contaba por entonces en su programación nocturna con
la presencia de Buddy Miles en funciones de DJ, y emisoras como Radio España
de la mano de Carlos Finali también prestaban atención a los nuevos sonidos
del hip hop. Pedro García con su programa "Píntalo Negro" en Radio Iris, y
unos años antes en Radio Luna, fue pionero dedicando monográficos de rap en
su espacio radiofónico. Algo más tarde "La Radio de las mil danzas" en Radio
3 sería un espacio en el que también se radiaban novedades y se hacía un
buen seguimiento del movimiento hip hop. Algunos locales como Studio 54 en
Barcelona o Stone's en Torrejón (Madrid) programaban funk o rap en sus
noches, o Nubes que programaba electro, rap y funk. Y para comprar discos
algunas tiendas de importación como Disco J.L. o New Record o vendedores
especializados como Rayfield Singleton podían conseguirte cualquier disco de
Roxanne Shante, Stetasonic o Mantronix.
La actividad cada vez era mayor en los barrios
periféricos de Madrid y Barcelona (Alcorcón, Torrejón, Móstoles, El
Prat...), y un sello independiente, Troya, se lanza a grabar el primer disco
de rap hecho en español. La idea surge a raíz de un reportaje aparecido en
la revista "Sur Expres" realizado por Miguel Trillo, el disco se titularía "Madrid
Hip Hop" (89) y recopilaba los temas creados por los primeros
grupos del hip hop madrileño: QSC,
DNI, Estado Crítico y
Sindicato del Crimen. El disco en su día
fue un bombazo, nada similar se había plastificado en nuestro país hasta la
fecha. Las compañías multinacionales huelen el filón y se lanzan a buscar
grupos de forma impulsiva. "Rapin' Madrid"
se publica el mismo año (1989). En el "Rapin' Madrid" finalmente
intervinieron Sweet, K 1000, Vial Rap, Código Mortal,
SSB, Poder Oscuro, Sony y Mony, MC Randy y DJ Jonco
y Jungle King. El mismo sello, Ariola, repitió la jugada y aparece
otro recopilatorio, esta vez incorporando bandas de Madrid y otras ciudades,
bajo el título de "Rap de Aquí",
que ve la luz en el año 1990. Troya también repite jugada y publica "Navidad
Hip Hop" con las mismas bandas del primer recopilatorio.
Algunos grupos consiguen sacar sus propios trabajos gracias a la repercusión
de estos recopilatorios: MC Randy y DJ Jonco
gracias al éxito obtenido con su tema "Hey Pijo" ven grabado
un disco completo.
El grupo más destacado por estilo, actitud,
prestigio e innovación era Jungle Kings,
esta formación atesoraba con diferencia la mayor calidad y profesionalidad,
y llegaron a ver publicados únicamente dos temas incluidos en el "Rapin'
Madrid" y en el "Rap de Aquí" respectivamente.
El hip hop se convierte en pasto de todo tipo de
reportajes en cualquier tipo de publicaciones, se trataba de la penúltima
moda, y la TV, la prensa y la radio se encargaban de engordar el momento a
base de estereotipos infantiles, que no hacen otra cosa que desprestigiar
todo el movimiento, acompañado por la poca experiencia de las compañías y de
las productoras para manejar sus proyectos. Muchos grupos desaparecen,
sus integrantes se disgregan y todo parece algo difuminado. Aparece el disco
de un grupo de Zaragoza llamado Foreign Nation,
"¿Brothers?" (92), integrado por dos americanos y un español, que
pasó sin pena ni gloria. En la misma ciudad no hay que olvidar la actividad
que lleva a cabo una formación pionera en su estilo, llamada
Mission Hispana, que ha grabado hasta el
momento dos discos, el último en el 96 con el título de "Nada se detiene",
y que en su día incluso salieron de nuestras fronteras para llevar su música
cargada de influencias latinas y mestizas.
Un resquicio importante sólo quedaría en el
mercado de maquetas, un microcosmos fundamental en la historia del rap, más
que en cualquier otro estilo. Las primeras maquetas de grupos como
La Puta OPP,
Eat Meat, Nazion Sur o
El Club de los Poetas Violentos,
empiezan a viajar de mano a mano, algo se cuece y pronto iba a explotar,
había grupos, ideas, y muchas ganas de demostrar, de representar cuál era el
auténtico hip hop de aquí. En Alicante, en el verano de 1993 se celebra la
primera gran macro-jam de hip hop, la fiesta se tituló "Qué punto de
fiesta", y por primera vez se pudieron ver actuar sobre un escenario a gente
con La Puta OPP o El Club de los Poetas Violentos, también estuvieron Killer
B, RS 232, M-90... En el año 1994, Eat Meat
publica su "Un Audiodocumental de..." al
frente MC Make con su peculiar estilo y concepción colorista del rap, un
disco que ha sido injustamente olvidado, probablemente se adelantó a su
tiempo, un trabajo fresco, original y sin ningún tipo de complejo. En el
mismo año se produce un acontecimiento importantísimo en esta historia,
El Club de los Poetas Violentos publica
su disco "Madrid Zona Bruta", un hito en
la historia del rap nacional, grabado en el primer sello especializado en
estos sonidos -Yo Gano- el disco es todo un éxito, supuso un
antes y un después, es el primer disco de rap real en España, crudo y duro.
El Club de los Poetas Violentos se adelantan a todos publicando el
disco que cambió el rumbo del rap que se hacía por estos lugares, y Yo Gano
se convierte en la primera discográfica de hip hop, la historia se escribe a
pasos de gigante, nuevas referencia, nuevos sellos... pero algo siempre muy
importante es la independencia, al igual que ocurre con los sellos
americanos, el control y la grabación de los grupos de rap, su actividad y
sus códigos no se pueden medir y tratar de la misma manera que se entienden
el resto de músicas, por eso son los sellos independientes los que deben
dominar el producto, aunque luego sean distribuidoras fuertes a nivel
mundial o nacional las que coloquen los productos terminados.
La historia en estos momentos la están
escribiendo los grupos y sus discos, ellos son los que tienen el poder de
colocar el nivel del hip hop nacional en el punto que se merece.
El hit hop
evoluciona hacia la electrónica
Todo empezó
cuando un DJ del Bronx llamado
Afrika Bambaataa Aasim, que comenzaba a ser
uno de los más requeridos en las fiestas de Hip Hop, tras grabar los maxis
"Zulu Nation Throwdown" y "Jazzy Sensation", publica en 1982 el tema "Planet
Rock", el auténtico himno del electro, una
composición destinada a llevar al Hip Hop mas allá de la simple combinación
de rima callejera y break percusivo, utilizando como base la caja de ritmos
TR-808 y un sample de la canción "Trans-Europe Express" de los Düsseldorf.
De esta manera se empezaron a construir paisajes rítmicos a base de beats
electrónicos y voces con efecto vocoder entre los que se pueden destacar a
grupos como Man Parrish
con sus dos temazos "Boogie Down" y "Hip Hop Be Bop (Don't Stop)",
Treacherous 3,
The Sequence,
Farrari,
Captain Rock,
Awesome Foursome,
G.L.0.B.E.,
Whiz Kid,
Whodini y
su hit "Magic's Wand", Grandmaster
Flash and The Furious Five, con sus
temas "Scorpio", "Flash To The Beat" y "The Adventures Of Grandmaster
Flash On The Wheels Of Steel". Otros grupos como
Run DMC,
U.T.F.O.,
Salt 'n' Pepa,
L.L. Cool J.,
Fat Boys o T. La Rock,
aplicaron Electro en algunos temas de sus primeros discos, pero ellos
formaban parte de la generación que iba a destronar al Electro de la escena
Hip Hop, dejando definitivamente atrás la Old School y comenzar una nueva
era. El Electro también se extendió a las mejores producciones como al
equipo formado por Arthur Baker, John Robie y Jellybean, que están detras de
éxitos como "Walking On Sunshine" de
Rockers Revenge; el "Breaker's Revenge"
del propio Arthur Baker;
"Soul Makossa" de Nairobi;
"Play At Your Own Risk" de Planet
Patrol; y el fantástico "Nunk" de
Warp 9.
Otro equipo de producción importante fue el formado por Mark Liggett y Chris
Barbosa, responsables de los hits de Xena
y sobre todo de Shannon,
cuyos temas "Let The Music Play" y "Give Me Tonight"
preludiaron el advenimiento del latin hip-hop y el freestyle. Tampoco hay
que olvidar los éxitos que cosecharon, entre los años 82 y 84, artistas como
West Strect Mob,
Jonzun Crew
y su "Pack Jam", C.O.D.
con "The Bottle", Twilight 22,
Hot Streak
con el tema "Body Work", o Hashim
y su "Al-Naafiysh (The Soul)", que constituye una de las piezas
cumbre del género. Además, el Electro también influyó en otros campos como
el jazz, con la trilogía formada por los discos "Future Shock", "Sound-System"
y "Perfect Machine ", de Herbie
Hancock junto al DJ DST. En 1985
aparecieron en Los Angeles grupos como
Egyptian Lover,
Uncle Jam's Army,
el trío femenino JJ. Fad,
L.A. Dream Team
y World Class Wreckin' Cru,
cuya formación incluía al rapper Cli-N-Tel y a un primerizo Dr. Dre. Al
mismo tiempo hispanos de Nueva York y Miami, influidos por Shannon,
Mantronix y las producciones de Arthur Baker y Jellybean, dan salida a dos
nuevos géneros como el freestyle
y el Latin Hip Hop.
A finales de los 80's el sonido Miami bass
suponía una revisíón minimalista de electro reducido, al puro esqueleto
rítmico de la TR-808 y un bajo rotundo y demoledor, y adobado por lo general
con rap de contenido sexual explícito donde se pueden destacar a grupos como
Gucci Crew II,
Poison Clan,
Pretty Tony,
DJ Matrix, o los provocadores
2 Live Crew.
Los primeros años 90's fueron una auténtica
sequía para el electro, pero en 1994, el proyecto
Tag Team soltó
desde Atlanta su bomba electro-techno "Whoomp! (There It ls)", todo
un éxito mundial, que volvió a poner el sonido en el mapa y refrescó la
memoria de tantos creadores actuales de música electrónica que habían
crecido escuchando Electro, y que han vuelto a recuperarlo en sus
producciones desde Autechre,
Coldcut o
Dave Clarke
hasta The Chemical Brothers,
Mike Paradinas,
Laurent Garnier,
el sonido techno bass
de Detroit con Aux 88,
Drexciya,
Quad City DJ's,
Elecktroids,
Req, J.
Saul Kane, los fabulosos
Jedi Knights,
Plastikman,
muchos creadores de trip-hop
entre ellos Andrea Parker
y DJ Shadow,
etc. Aquí en España, Álex Martín
y el sello Minifunk representan la más clara conexión Ibérica con el
electro, que en estos momentos vive su segunda juventud.
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Chubby Ckekker
Este cantante consiguió hacer
famoso su baile del twist
Grease
Esta película refleja a los adolescentes de la
década de los sesenta
The Archies
Uno de los primeros conjuntos prefabricados, artistas
virtuales anónimos que ponen las voces a animaciones, lo mismo que hace
Gorillaz en el 2002
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